Как отличить ар-нуво от ар-деко
Как часто мы задаемся вопросами особенностей этих двух стилей, наиболее характерных для европейского искусства первой половины ХХ века.
Но поговорим о том, как их различать, на примере ювелирного искусства. Дальнейшее уже не составит сложностей.
Ар-нуво (art nouveau) или же модерн -- стиль, характерный для т.н. "прекрасной эпохи", периода с конца XIX века до начала Первой мировой войны. Ар-деко (art déco) -- стиль, хронологически следующий за модерном, наиболее характерен для 1920-30-х годов.
Для ар-нуво характерны:
- плавные, естественные линии, подражающие листу или волне;
- избегание прямых геометрических форм;
- в качестве декоративных мотивов используются растения, экзотические птицы, ящерицы, змеи, насекомые и пр., нехарактерные для других стилей;
- использование матовых и приглушенных полудрагоценных камней и материалов: перламутр, опал, эмаль, лунный камень;
- бриллианты используются только в качестве вспомогательного элемента и не перетягивают на себя внимание.
Брошь 1910 года:
Ар-нуво обращает внимание на такие элементы живой природы, на которые другие стили не обратили бы внимание.
Брошь 1900 года. Пример использования бриллиантов и сапфиров в ар-нуво:
Они есть? Да. Они занимают центральное положение в ювелирной композиции? Нет. Центральное -- за эмалью и слоновой костью. Перетягивают ли драгоценные камни внимание на себя? Нет, они вспомогательные элементы и не отвлекают от основного -- женского профиля.
Для сравнения: ар-деко попытался сделать оправу для египетской стеатитовой бляшки с надписью (около 600 г. до н.э.):
Оправа из бриллиантов, сапфиров и оникса немедленно утягивает внимание на себя.
Кстати, на счет России. В России ар-нуво не прижилось в ювелирном искусстве. Образчиков именно русского ар-нуво очень мало и лишь отдаленно приближены к канонам стиля:
Кстати, зеленые камни это уральские демантоиды, без них нельзя было обойтись, русские ювелиры их очень любили. Ну а вообще ювелирный стиль первых десятилетий ХХ века в России задавал сами знаете, кто.
Теперь что касается характерных особенностей ар-деко:
- лаконичность и прямые, геометрические линии;
- исключительно яркие материалы и цвета: рубины, сапфиры, черный оникс, оранжевая эмаль или коралл и т.д.;
- реально МНОГО бриллиантов (впрочем, не всегда);
- никакой крайне мало растительности и животных.
Типичные серьги ар-деко. Яркие, даже когда черные:
Нефритовая брошь 1923 года. Немного агрессивна.
Ар-деко и цветы -- редко и стремно:
Создан для индустриализации и эмансипации. Ар-деко -- выбор современных девушек.
Видишь чьи-то полупрозрачные крылышки -- говоришь ар-нуво:
Видишь прямоугольник -- говоришь ар-деко:
Ну а о преимуществах того или иного стиля истинные ценители культуры могут спорить бесконечно:
Каждый день задавался этим вопросом, вы просто таки спасли меня.
Спасибо за этот пост! Очень люблю искусство этого периода, но, оказывается, пробелы в знаниях присутствуют(((. Буду рада новым постам от Вас)).
Спасибо за замечательный пост. Вы не объясните, в чем стремность этих цветов?
Вы пишете, что ар-деко и цветы -- редко и стремно.
А можно узнать у вас фамилии апологетов стиля арт-нуво в ювелирке? Всегда был интересен этот стиль в архитектуре, мебели и отделке, а вот про ювелирные украшения в стиле Мажореля, Валлена или Альфонса Мухи, слышать не доводилось.
Клевый пост. Я за Марата.
"Как часто мы задаемся вопросами особенностей этих двух стилей"
А че ответ "никогда" не катит?
-Что вам нравится у Ван Гога? - Ухо!
Микромозаика: от истоков до наших дней (часть 2)
Всем доброе утро. Продолжаем рассказ про микромазаику.
Мозаичники считались ремесленниками и мастерами, а не самостоятельными художниками. В результате многие работы не были подписаны. Жизнь мозаичника в XVIII и XIX веках была нелегкой. Большинство из них работали в студиях или мастерских под руководством главного мастера. Они работали долгие часы, выполняя тяжелую и невероятно кропотливую работу. Им платили в соответствии с их мастерством. В Ватиканской мозаичной студии многим платили только скудо в день (меньше доллара), в то время как в одной из частных мастерских им могли платить до 4 скуди в день, если они доказывали свое мастерство и талант.
Из-за высокого спроса на микромозаику в XIX веке в Рим хлынул поток неквалифицированных рабочих, которые делали дешевые, некачественные изделия. Они, к сожалению, заполонили рынок, нанеся ущерб репутации отрасли в целом. Хотя многие мозаичники так и не были зарегистрированы, была группа исключительных художников, которые прославились в этот период. Первым из них был Джакомо Раффаэлли (1753-1836). В 1779 году он выполнил чрезвычайно изящную версию "Голубей Плиния", которая сейчас хранится в Британском музее.
Раффаэлли был одним из основателей микромозаики, одним из первых применил микромозаику в ювелирном деле и основал Школу мозаики в Милане. В 1809 году Наполеон I поручил ему создать копию знаменитой "Тайной вечери" Леонардо да Винчи в мозаике. Работа была завершена после отречения Наполеона от престола в 1814 году, когда Милан находился под властью Австрии.
После завершения работы Франциск II Австрийский приобрел ее и хотел разместить во дворце Бельведер, но она оказалась слишком большой. Вместо этого она была установлена на северной стене Миноритенкирхе (церковь меньшинств, бывшая итальянская национальная церковь Марии Снежной) в Вене, где и находится по сей день.
Это невероятное произведение, демонстрирующее мастерство Джакомо Раффаэлли в искусстве мозаики. Ее размеры составляют примерно 9,14 х 4,26 метров, а вес - 20 тонн. Она показывает, что он был искусен как в крупномасштабных мозаиках, так и в гораздо меньших микромозаиках, столь популярных в ювелирном искусстве в этот период.
Другой известный мозаичник - Клементе Кьюли, современник Раффаэлли, который активно работал в первой половине XIX века. Перед тем как Папа Пий VII (1742-1823) присутствовал на коронации Наполеона I в Париже в 1804 году, он попросил знаменитого и известного скульптора Антонио Канову составить список дипломатических подарков, которые Папа мог бы преподнести императору. Среди них были микромозаики, среди которых было несколько работ Кьюли. Две из этих работ предположительно находятся в коллекции Гилберта в LACMA в Лос-Анджелесе.
Другими известными мозаичниками были Доменико Молья (около 1780-1862); Антонио Агуатти (активен в первой половине XIX века); Либорио Саландри (активен в первой половине XIX века); Луиджи Кавальере Молья (фл. 1823-1878); Филиппо Пуглески (активен в первой половине XIX века) и Луиджи Подио (ум. 1888).
Наконец, важно упомянуть работу Микеланджело Барбери (1787-1867), которого царь николай I попросил приехать в Россию и основать Императорскую мозаичную мастерскую в Санкт-Петербурге. Это один из самых известных и финансово успешных мозаичников, которому покровительствовала европейская аристократия. Он известен тем, что создал одни из самых красивых столешниц из микромозаики.
Благодаря покровительству таких влиятельных фигур, как Наполеон I и Николай I, спрос на микромозаику процветал в конце XVIII-XIX веков. Считается, что обе императрицы Наполеона владели парюрами с микромозаикой.
Элизабет Барретт Браунинг (1806-1861), знаменитая английская поэтесса, которая провела последнюю часть своей жизни в Италии, была очарована этим типом украшений. Предполагается, что ее любимым сокровищем была брошь из микромозаики, которая занимает видное место на ее портрете, написанном в Италии в 1858 году.
Что касается тематики, то ранние образцы конца XVIII - начала XIX веков были посвящены таким темам, как пастушьи пейзажи, древнеримские руины, буколические сцены крестьянской жизни в Италии, цветочные изображения и животные, особенно портреты лежачих собак.
Самым популярным было изображение сидящего спаниеля. Прекрасным примером этого популярного мотива является работа Антонио Агуатти (активен в первой половине XIX века). Внимание к деталям собаки, особенно к ее шерсти, невероятно. Он был одним из первых, наряду с Луиджи Кавальере Моглиа (1823-1878), кто стал работать с изогнутыми тессерами, чтобы передать отдельные волоски.
Эти сцены и портреты обычно помещались в простые золотые кольца, соединенные ярусами тонких золотых цепочек в виде ожерелий и парных браслетов. К концу 1820-40-х годов пластины стали помещать в более сложные каннелированные рамы, создавая более роскошные и яркие украшения, такие как деми-парюра, изображенная ниже.
Пасторальные пейзажи Рима и его окрестностей, изображенные на этих ранних микромозаиках, особенно интересны, поскольку они отражают относительную провинциальность города до усиленного роста городов в 1870-х годах.
К 1830-40-м годам наметилось движение от неоклассических тем в сторону сюжетов, вдохновленных новыми археологическими открытиями XVIII-XIX веков. Одним из самых популярных для микромозаики было использование египетских мотивов. Использование египетских рисунков и сюжетов продолжалось до начала XX века.
Интерес к Египту начался в конце XVIII века с египетской кампании Наполеона в 1798 году. К началу XIX века артефакты, привезенные из этих походов, стали появляться в крупных городах Европы. Однако использование египетской тематики в ювелирных изделиях появилось лишь в конце 1820-х годов. Считается, что толчком к этому послужила широко разрекламированная расшифровка иероглифического текста на знаменитом Розеттском камне Жаном-Франсуа Шампольоном в 1822 году.
Спасибо за внимание.
Витражи в стиле модерн
Любовь на века: кольца в стиле toi et moi
Если вы любите экспериментировать с драгоценностями, то вам наверняка понравятся украшения в стиле toi et moi.
В переводе с французского toi et moi означает «ты и я», что априори возносит такие драгоценности в список самых романтичных украшений всех времен. Развитие этого стиля колец неразрывно связанно с невероятными любовными историями и в последние годы переживает возрождение и обновление с учетом современной моды и видения дизайнеров нашего времени.
Toi et moi это кольцо с двумя драгоценными камнями, которые расположены рядом или близко друг к другу, символизируя объединение двух душ. Классический дизайн изделия подразумевает два камня одинакового размера и огранки, но в последние годы дизайнеры расширили концепцию, сочетая различные мотивы и материалы, а также драгоценные камни.
Традиция дарить кольца toi et moi, символизирующие любовь между двумя людьми, уходит корнями в глубь веков, но в итоге одна очень известная пара и их скандальные отношения, привлекли внимание широкой аудитории к этим изделиям.
В 1796 году Наполеон Бонапарт, в то время еще не император, а революционный солдат французской армии, сделал предложение Жозефине де Богарне. Она вышла за него замуж всего три недели спустя, но семья Наполеона была категорически против этого союза. Жозефина была старше на шесть лет, и вдовой с двумя детьми от предыдущего брака.
В 2013 году помолвочное кольцо (фото выше), в котором использованы синий сапфир и бриллиант ограненные в форме груши, преподнесенное Жозефине будущим императором было выставлено на торги и продано почти за 1 миллион долларов.
Как мы знаем мода циклична, и вот уже в 1953 Джон Кеннеди надел на палец своей будущей первой леди toi et moi c изумрудом и бриллиантом (фото выше). Кольцо с двумя круглыми бриллиантами получила на помолвку с датским принцем Хенриком королева Маргрете. А в 2005 году Джесс Джеймс подарил кольцо с двумя круглыми бриллиантами американской актрисе Сандре Буллок.
Исторически значение двух камней считалось особенно романтичным, поскольку они не только представляли союз двух людей, но и сами минералы носили символизм. Особенно популярным было сочетание бриллианта с рубином, алмаз, символизирующий любовь и процветание, и рубин предопределяющий страсть и преданность.
Изюминка дизайна toi et moi заключается в том, что вставленные камни могут как гармонично дополнять друг друга, например, розовый и белый бриллианты или наоборот контрастировать как синяя и красная шпинель. Они как бы отражают две похожие или же противоположные сущности.
Сегодня входит в моду тренд на использование камней разного типа огранки на хвостиках toi et moi, например грушевидной и изумрудной, или же изменение наклона минералов, что позволяет им сидеть под разным углом на пальце.
Современные кольца toi et moi отличаются от традиционных тем, что на противоположных концах ободка могут быть закреплены не только драгоценные камни, но и какие-либо декоративные элементы.
С каждым годом творческие ювелиры, способствуют возвращению toi et moi, привнося великолепную современность в настоящую классику, и с большой долей уверенности можно сказать, этот стиль украшений надолго вернулся в моду.
Спасибо за внимание!
Магия насекомых и животных в высоком ювелирном искусстве
От очаровательной пары такс до меняющего цвет хамелеона - насекомые и животные украсили одни из самых запоминающихся драгоценностей.
От очаровательной пары такс до очаровательной улитки - царство животных снова оказалось могущественной музой для ювелиров. Насекомые, жуки, морские обитатели, птицы, змеи и даже малоизвестные млекопитающие - разнообразие существ, запечатленных в драгоценных металлах и драгоценных камнях, не перестает удивлять.
Chopard, никогда не уклоняющийся от экстравагантных цветовых сочетаний, представил эффектный трансформируемый браслет-бабочку (фото выше), украшенный актуальной темой «Полет навстречу весне». Две бабочки, которых украшают топазы, турмалины Параиба и аметисты, изящно сидят на украшенной драгоценными камнями листве, созданной из разноцветного титана, выбранного не только из-за его легкости, но и потому, что ему можно придать оттенок камням. Разноцветное украшение из бабочки умеет трансформироваться из браслета в пару серег и брошь.
На премии «Оскар» в отличие от большинства звезд, отдавших предпочтение бриллиантам, Вупи Голдберг произвела фурор своим нетрадиционным выбором украшений для красной ковровой дорожки: невероятный, единственный в своем роде браслет (фото выше) на руку в виде осьминога с жемчугом от Севана Бичакчи, на изготовление которого турецкий дизайнер потратил больше года.
Tiffany выпустила свою «Голубую книгу» под названием «Искусство трансформации», посвященную теме: чудеса природы. Ежегодное празднование дизайна, мастерства и лучших драгоценных камней стало настоящим триумфом для директора по дизайну Франчески Амфитеатроф (Francesca Amphitheatrof), которая подарила нам множество памятных вещей, в том числе красочную манжету «Starfish» с синими сапфирами, бриллиантами и цаворитами.
У насекомых животного мира плохая репутация, и превратить их в желанное украшение - это настоящий навык. Мексиканский дизайнер Даниэла Виллегас (Daniela Villegas) - королева жутких насекомых, одно из ее украшений - разноцветная подвеска в виде сороконожки, тянущаяся вниз по груди из рубинов, турмалинов, опалов, цаворитов, цветных сапфиров и бриллиантов, со множеством маленьких ножек.
Британский ювелир Джордж Прагнелл (George Pragnell) также поразил своим красивым исполнением летнего жука с телом из черного опала, глазами из кабошона из кораллов и резными крыльями из халцедона, украшенным редким зеленовато-голубым бриллиантом Fancy Intense.
Животные - постоянная тема для Van Cleef & Arpels, имеющего долгую и выдающуюся историю использования природных мотивов. Van Cleef вызвал улыбку на лице каждого ювелирного журналиста, выпустив «L'Arche de Noé», коллекцию высокого ювелирного искусства, посвященную животным. Обладая характерным обаянием, коллекция представлена белками, прижатыми к опалу, трогательными носами, двумя пухлыми совами из фиолетового сугилита и хризопраза, а также сладчайшим дуэтом такс, игриво резвившихся, их характерная двухцветная окраска, выполнена из черного оникса и бриллиантов.
Награда за гиперреализм достается российскому королю эмали Ильгизу Фазулярову, который привез в Лондон свои драгоценности после выставки в Московском Кремле - первый из ныне живущих дизайнеров, удостоенный чести провести там персональную выставку со времен Пьера-Карла Фаберже в 1917 году.
Цветы и птицы - основная тема в работах Ильгиза, но именно эта улитка которая появлялась в украшенной драгоценностями форме лишь однажды, в Хеммерле - привлекла всеобщее внимание в Лондоне, ее панцирь расписан вручную стекловидной эмалью.
Bulgari представила последнее воплощение своей знаменитой змеи: коллекцию драгоценных камней «Serpenti Seduttori»,которые запечатлены в ее гипнотических глазах. Разнообразная коллекция варьируется от повседневных украшений до королевского ожерелья «Serpenti Queen», которое украшают бриллианты и изумруды, с поразительно современным и доступным кулоном в виде змеи, состоящим из шестиугольных чешуек из розового золота и глазами из аметистов.
Стремясь помочь спасти находящегося под угрозой исчезновения панголина , самого истребляемого животного в мире, африканский люксовый бренд сотрудничал с фондом Tikki Hywood Trust над созданием уникальной коллекции украшений с акцентом на отличительные чешуйки панголина, 10% от каждой продажи которых поступает непосредственно в фонд. Смелая и красивая коллекция, доступная в розовом или желтом золоте и серебре, поистине индивидуальна.
Vhernier и его брошь - хамелеон, которая является единственной в своем роде и уже продана. Эта ящерица настолько реалистична, что можно разглядеть чешую на ее спине, ее глаз-бусинка, выглядывающий из переливающейся опаловой головы - несомненно, одна из самых ярких жемчужин, а также самая симпатичная.
Спасибо за внимание.
Первая коллекция высокого ювелирного искусства от Pomelatto
Доброе утро дорогие подписчики и гости канала. В 1967 году основатель Pomellato Пино Раболини произвел настоящую революцию в консервативном искусстве ювелирного дизайна, предложив женщинам стильные и модные украшения на каждый день — простые, удобные, непринужденные вещи, которые было легко носить и сочетать друг с другом.
Славу Pomellato принесли минималистичные кольца Iconica из чистого полированного золота, коктейльные кольца Nudo c прозрачными полудрагоценными камнями, цепочки с крупными звеньями на любой вкус. Pomellato настолько привержен своему основополагающему принципу ювелирных украшений «pret-a-porter», что за 53 года своего существования ни разу не выпустил коллекцию высокого ювелирного искусства.
И вот компания впервые обратилась к высокому ювелирному искусству, представив собрание из 165 уникальных драгоценностей La Gioia («Радость»). Верные своему названию, украшения Pomellato - это радостное сочетание миланской уверенности, превосходного мастерства и самых лучших материалов.
Генеральный директор Сабина Белли объяснила логику: «По сути, все наши украшения - это высокое ювелирное искусство , потому что у нас есть сто мастеров-ювелиров, которые делают все вручную с удивительными ремесленными навыками. А в Италии мы не любим делать различия между повседневным и особенным. Каждый день - особенный момент. Это дань уважения нашим культовым моделям высокого ювелирного искусства, еще один способ их выразить».
Поэтому вместо того, чтобы придумывать совершенно новую вселенную, как это делают большинство ювелиров, когда дело касается высокого ювелирного искусства, Pomellato придерживается своих взглядов в дизайне. Просто подумайте о экстравагантных темах, которые каждый год рождаются в таких домах, как Van Cleef & Arpels и Bulgari, по сравнению с ними Pomelatto способен вознести цепочку до высокого ювелирного статуса, очень специфической цветовой палитрой драгоценных камней и ее фирменными чувственными огромными объемами.
Креативный директор Винченцо Кастальдо говорит о коллекции: «Творческое видение La Gioia заключается в том, что мы не намеревались создавать традиционную, консервативную коллекцию высокого ювелирного искусства в стиле Вандомской площади. Мы хотели найти свой собственный путь». Простая предпосылка, которую можно было реализовать только с помощью строгой философии дизайна, которую воплощает ювелирный дом, изысканное мастерство и самые яркие драгоценные камни.
Эти украшения высокого ювелирного искусства, которые женщина покупает для себя, не имея вечерних платьев, без излишеств что соответствует строгой миланской дизайнерской дисциплине Pomelatto. Приятно видеть высокое ювелирное искусство, которое не диктует дресс-код и не навязывает себя благоговением и великолепием.
Спасибо за внимание.
Как Марк Шагал летать научился
По мнению Шагала, все же окрыляет не Red Bull, а любовь. Часто на картинах художника мы видим летящую счастливую пару, и почти всегда – это сам Марк и его жена, Белла Розенфельд. Только вдумайтесь – она появлялась на его картинах больше 2000 раз!
На картине Шагал забавно обыграл пословицу «лучше синица в руках, чем журавль в небе». В правой руке у него синичка, а любимый журавль весело летит сверху. Но только зачем выбирать, если сильно любишь, спрашивает нас Марк))
Марк Захарович Шагал – «Прогулка», 1918
Сзади виднеется родной художнику Витебск, а контраст кубической земли и объемного неба помогают Шагалу отправить в полет своих героев. Согласитесь, летающая Белла тут очень к месту))
Улыбки до ушей, задорная театрально-цирковая композиция и ослепляющая любовь – за это мы Шагала и любим.
Картина является частью триптиха о счастье, как я его назвал (ох и скромность). Здесь художник еще не оторвался от земли, но, кажется, уже идет на взлет.А вот на следующей картине он уже вовсю летит!
«Над городом» одна из самых известных работ Шагала. Здесь художник изобразил самое важное в своей жизни – себя, любимую жену Беллу и родной Витебск.
Счастливые влюбленные летят в обнимку над городом, позабыв про всякие ваши гравитации. Шагал вообще любил отправлять в полет влюбленных героев, которые буквально «летят от счастья».
Марк Захарович Шагал – «Над городом», 1918
Однако полет для персонажей Шагала в то же время как будто естественное состояние человека. В этом одна из особенностей творчества художника – неудержимая фантазия сочетается с обыденностью и изображением быта.
Особенный эффект придает небольшая деталь в нижнем левом углу картины. Присмотритесь, там маленький человечек, пардон, гадит у забора. Ничего себе романтичная картина)
Твое лицо, когда попал на картину про влюбленных:
Но в том и прелесть – и полет, и голая задница, и прекрасная Белла, которая написана мягкими линиями (в отличие от кубического Шагала). Все это необычная симфония любви, которую художник посвятил своей жене.
Смотришь на картину, и душа летит)
Но путешествие парочки начало чуть раньше, на земле. Третья картина в нашем посте как раз самая первая работа по времени написания и, можно сказать, по смыслу. Сюжет забавен: Белла, жена художника, вышла погулять по Витебску в элегантном белом платье. На прогулку с ней вышел и сам Шагал, сделав пару удачных решений – сел на плечи к даме и взял с собой вина.
Марк Захарович Шагал – «Двойной портрет с бокалом вина», 1918
Над ними кружит маленький ангел, и по совместительству, маленькая дочь парочки, Ида.
Все на своих местах. Красивая Белла, веселый художник, любимый Витебск, необычный выбор цветов и яркая авангардная техника.
Хотелось бы поискать тут внешних смыслов, да только бестолковая затея – сам Шагал говорил, что не засорял сторонними символами свой радостный триптих. Как и импрессионисты, он просто поймал момент и передал свое настроение нам, зрителям.
И я его понимаю. Зачем двусмысленность и знаки, когда ты просто счастлив?
Больше интересных историй из мира живописи можно почитать в моем телеграм-канале: https://t.me/picturebymaslo
Ну или глянуть в инстаграме)
Про "ковер с оленем"
При слове “ковёр с оленем” у меня сразу в памяти всплывает бабушкин деревенский дом и гобелен с тремя оленями у горного озера, прибитый гвоздиками по периметру к стене, этим предметом интерьера бабуля очень гордилась - на нем на булавку были прикреплены грамоты и фотографии детей и внуков. По расказам бабушки, "ковер" привез дед из Германии после войны, так сказать трофей, мне по малости лет было не столь интересно, откуда он собственно взялся, но вещь мне нравилась, дома у нас ничего похожего не было.
Так откуда же взялись гобелены, которые повсеместно висели на стенах и лежали на кроватях у огромного большинства советских граждан, не все же были трофеями?
Понятно, что искусство гобелена изначально появилось во Франции, а потом распространилось по всей Европе, что в викторианской Англии оно обрело особенный размах, а в XX веке стало уделом дешевых рынков и барахолок. Но вот обнаруживаются забавные подробности. Во-первых, большинство тех самых оленей, сделанных по удешевленной технологии машинного гобелена, производились в 1930-е годы в Германии, особенно популярными были из района Шварцвальда.
Так вот, первоначально гобелены делали вручную и тратили на одно произведение годы работы. Потом изобрели хитроумный жаккардовый станок - и смогли не только быстро делать ткань с заданным рисунком, но и повторять её. Наконец, коврики с оленями стали делать из материала типа плюша - именно эти трофейные экземпляры после войны заполонили советские дома и квартиры. Потом по привезённым трофейным образцам быстро наладили отечественное производство.
А были ведь ещё лебеди, вазоны с цветами, а также медведи и прочие волки - например, большое распространение получила картина “Нападение волков” Николая Сверчкова, художника-баталиста XIX века, на которой были изображены сани и нападающая на них стая волков.
Дети перед сном из бахромы плели косички, а с оленями разговаривали и сочиняли про них разные истории.
В СССР родоначальником современного гобелена по праву можно считать латышского художника Рудольфа Хеймратса, который в начале 60-х годов ХХ века вместе с Георгом Баркансом заложил его эстетические принципы. Работы Хеймратса соединили традиции классической шпалеры и технику национального латышского ткачества. Как педагог Хеймратс умел определить индивидуальные черты, присущие будущему мастеру, и воспитал целую плеяду художников гобелена (Вигнере, Богустова).
Оригинальные школы гобелена существовали и в других регионах Советского Союза — Эстонии (Эрм, Реэметс), Литве (Бальчиконис, Гедримене), Украине, Молдавии, Грузии (Кандарели), в Москве и Санкт-Петербурге.